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也许老一辈大师都能做到一种绝对的稳定，赫尔曼·舍尔欣1958年6月指挥维也纳国家歌剧院乐团在维也纳音乐厅的录音以一种非常徐缓的速度更加从容地向前推进，全曲共用时63分钟，属于最慢的版本之一。
舍尔欣的能量在于他把所有时代、所有风格的作品都归同于他自己的风格，这种风格是浪漫主义和现代主义的有机结合，结构庞大，音响厚重，细节突出。
在“神奇的号角响彻四方”
段落，四位歌手同样将速度彻底放慢，呈现出来的特殊效果令人称奇。
非常自然饱和的录音为舍尔欣的特性提供了巨大支持，我把它看作是历史上第一个莫扎特《安魂曲》的“发烧”
录音，这个“发烧”
的意思就是“保真度”
极高，在那个年代也属凤毛麟角。
乔治·赛尔的录音本来也有其独特文献价值，只是糟糕的录音影响了它的流传。
赛尔的演绎坚强有力，表情冷峻肃穆，即使录音不好也能够分辨出乐队的细微之处非常讲究。
这是一个来路不甚明确的录音，从每个乐章结束时有搬动椅子的声音，可以肯定是一个现场非法录音，但我始终寄希望赛尔应该在萨尔茨堡或CBS留下一个录音，这或许是本来存在的事情。
本杰明·布里顿指挥英国室内乐团在阿尔德伯恩音乐节的实况录音虽然时间较晚，但它的文献意义显然要大过录音的意义。
因为是布里顿的莫扎特，因为有海特·哈珀与彼得·皮尔斯，这应当是值得向每一位同时喜欢莫扎特和布里顿的乐友推荐的。
单声道的录音并不成为拒绝它的理由，BBC传奇系列的制作绝不简陋，而像布里顿那样在诠释莫扎特音乐时的感同身受，在别的版本中是体会不到的。
进入标准时代的版本
20世纪70年代前后问世的录音，因为参与的大师多，数量也大为增加，而且大多录音效果均令人满意，特别是演绎水平也取得普遍提高，我把这个时代称之为“标准时代”
，意即对《安魂曲》的演绎基本形成定式。
首先应当推荐的是卡尔·伯姆指挥维也纳爱乐乐团在1971年的录音，几乎可称之为“标准中的标准”
，规范得有些循规蹈矩，铺陈得更是面面俱到，维也纳爱乐的弦乐充分表现出它特殊的绵密与明亮质感，国家歌剧院合唱团始终保持旺盛的情绪，伯姆的控制力和向前推动力都毫不松懈。
然而我认为这个录音是很难打动人的，它似乎意在导致聆听者将所有哀伤苦难遗忘，在这样的音乐里，我难道要把莫扎特抛之脑后吗？歌手并不仅仅是知名度一般，演唱得也同样一般，年轻的艾迪特·马蒂丝还不适合这样的作品，里德布什又太戏剧化。
卡洛·玛利亚·朱利尼指挥爱乐乐团1978年录于伦敦金斯威大厅的版本在“标准”
演绎之上又多了唯美的倾向，这是到那个年代为止，我所听到的堪称完美的录音，我不想厚此薄彼任何乐章。
朱利尼的高贵气质及音乐品位自不待言，他的乐队声音是飘逸灵动的，合唱队的层次丰富而均匀，场面既宽阔又不松散。
特别是担任独唱的四位歌手搭配得当，女声是来自德国的海伦·杜娜特和克丽斯塔·路德维希，男声是英国本土的罗伯特·蒂尔和罗伯特·劳埃德，前者声音空灵而富内涵，后者声音高贵而单纯。
当它们合在一起的时候，那是一个多么美妙神奇的时刻啊！
朱利尼十几年后在SONY的录音虽然气势更为磅礴，音响效果也更上层楼，可惜唯美到了夸张的地步，像一次英雄的凯旋，却离莫扎特的气质越来越远了。
也许卡尔·里希特的演绎还算不上一种标准，因为他以演绎巴赫的态度对待莫扎特的《安魂曲》，所以他的悲哀是自责而内省的，而他在演绎“求主垂怜”
中的壮丽赋格时，那种发自内心的欢欣就如灵魂获救一般，甚至“震怒之日”
也是一片欢腾——巴赫式的欢腾！
我喜欢里希特的慕尼黑巴赫乐团，它的织体那么清晰明确，很自然地消解了里希特无处不在的浪漫主义，其实这也是一种唯美风格的解读，它使整体情绪变得明朗，虽不合作品本意，却给听者带来慰藉。
丹尼尔·巴伦博伊姆的第一个录音居然早在1971年，反映的是比伯姆速度快很多的另外标准。
虽然至今我还对巴伦博伊姆的音乐会指挥才能持保留态度，但通过录音这一载体，还是必须承认他有过人之处，特别是早期在EMI的许多录音都很精彩，这个《安魂曲》也可入优秀之列。
乐队与合唱的整体感均在中上水准，有层次，有活力，有冲劲。
仅从聆听方面考量，巴伦博伊姆的演绎灵巧而自如，技术上几乎是无懈可击，四位独唱者也都处于极好的状态，女高音阿姆斯特朗声音既美且素，有脱俗气质；其他三位歌手只能用“豪华”
来形容，贝克、盖达、菲舍-迪斯考，一旦他们全力以赴，那种“奇妙的和谐”
是很感人的。
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