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这个录音略去了最后一段“圣体主领曲”
，人为制造了“未完成”
效果。
不过我对苏斯梅尔用开始的“进台咏”
做富有想象力和创造力的变化重现已经非常满意，也非常适应，突然听不到了，便感“意犹未尽”
。
20世纪80年代巴伦博伊姆第二次为EMI录制《安魂曲》，除了音响效果有明显改进外，其他方面并没有超过十几年前的版本，歌手在当时也算赫赫有名的，比如凯瑟琳·巴特尔，但在我的耳朵里没有一个可以和老版本相比。
虽然尼维尔·马里纳在1991年也有一个数字录音的纪念版本，但我倒是认为在整体成就上没有超过1977年的录音。
可以这样说，1977年圣马丁室内乐团是一个技术过硬、修养精湛的组合，而1991年的乐团声音却不再内敛沉静，特别是弦乐虽然多了唯美的成分，却显得既外在又张扬。
歌手方面我当然喜欢的是伊娜·科特鲁芭丝、海伦·瓦茨、罗伯特·蒂尔和谢利-奎尔克；新版中的麦克奈尔的声音太巴洛克化，美则美矣，却是一股宫廷味道，阿莱扎嗓子比蒂尔好，气质方面恐怕略逊，比起谢利-奎尔克，罗伯特·劳埃德的分量显得过重，他也把歌声戏剧化了。
我们知道伟大的男高音彼得·施莱亚的巴赫充满睿智与**，但他还是德国萨克森地区最著名的莫扎特歌手，他1982年4月在德累斯顿路加教堂指挥德累斯顿国家乐团和莱比锡广播合唱团录制的莫扎特《安魂曲》采用德国传统的演奏方式，这种方式也适合演奏巴赫，当然也是萨克森的巴赫。
宏大的场面、明确的强弱对比、浑厚温暖的音响，都使人把它与施莱亚指挥的《马太受难曲》和《B小调弥撒》产生联想。
莱比锡的合唱队情绪饱满，表达率直，很容易进入狂喜境界。
女高音玛格丽特·普莱丝的表现更是异乎寻常，是冠绝群芳的最佳演唱，她常常给我惊喜，从舒伯特到瓦格纳到莫扎特，但再也没想到她在《安魂曲》中会有这样高耸云霄、超凡脱俗的声音。
本来阿莱扎和亚当都是气质纯正的莫扎特演释者，在普莱丝面前，他们却沦为真正的配角。
其实，令人**泛滥之余，施莱亚的莫扎特也很有学究气，不过与古乐演奏的那种学究气是两回事，后者停留于表面形式，虽有时代感，却无法带来对现代人的震撼。
也许以今天的观念来听这个版本，会觉得施莱亚的诠释风格已经落伍，然而施莱亚、莱比锡、德累斯顿，这些词汇就像早期浪漫主义的保护神一样，始终在提醒我们，那是一个不容忘却的时代。
卡拉扬的三个版本
作为莫扎特的“乡党”
，卡拉扬理应有更多的莫扎特录音留下来，我们肯定会因为卡拉扬极大忽视了莫扎特的协奏曲而感到遗憾，但他在DG就有三个《安魂曲》版本传世，也算是极大的安慰。
尽管现在通常只推荐他生命晚期的所谓“金版”
，但1962年的录音绝对不应该被遗忘。
比起前面提到的差不多同时代的版本，卡拉扬的速度并不见得就快，但绝对是线条锐利，充满磅礴的气势。
此时的卡拉扬还没有染上“唯美”
的毛病，所以一切都还是单纯质朴、流畅自然的。
四位独唱家的气度无疑要胜过后来版本中的“新人”
，他们声音和气度上的华美不是能够刻意为之的，其宗教性也发自内心，尤其是男高音德莫塔和女中音鲁赛尔-玛伊丹，不仅音色美绝人寰，而且其饱含的深情实在感人至深。
如果不是求新存异，这个版本应当看作是对莫扎特《安魂曲》的内涵有较深度的发掘，这在那个年代难能可贵。
十几年以后的录音显然在场面上有重大扩展，音乐的线条与声部关系更加明晰，细节得到特殊关注，但是整曲速度却快了三分钟。
卡拉扬继续他的深度发掘，只是做作的痕迹已经非常显著，再不似从前那么朴素自然了。
作为一个录音制品，它的全面进步很容易判定，但演绎逐渐趋于仪典化，恐怕对于借助音响系统聆听的人来说，会有点儿被煽得热血沸腾了。
四位歌手无一例外是卡拉扬最亲近、最信任的人，不过他们凑在一起的机会并不是很多的。
男高音维尔纳·克莱恩在卡拉扬心目中是翁德里希的接班人，但他近似于翁德里希的声音还是很容易听得出控制的痕迹；托莫娃-辛托娃很少如此柔弱深情，她宽广的音域为她提供了发挥的空间。
差不多又是十年过去了，卡拉扬与柏林爱乐乐团的龃龉交恶，导致他与维也纳爱乐乐团合作重录了许多新唱片，《安魂曲》自然也有了最新版。
这个版本只留用了女高音托莫娃-辛托娃，一方面是当时还没有人能够比她唱得更好；另一方面也是许多成名歌手因为各种各样的矛盾与卡拉扬分道扬镳。
如果只是听“进台咏”
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